Canciones de nuestras vidas (XI)

Gaudete - Steeleye Span
El folk británico en su máxima expresión. En las dos últimas décadas el eco y reconocimiento mundial obtenido por la llamada música celta ha sido grande. El estilo, con buenos intérpretes ha penetrado en amplias capas de aficionados pero, el origen de esta explosión hay que buscarlo muchos años antes en grupos como Fairport Convention, Incredible String Band, Dr. Strangely Strange y especialmente en Steeleye Span.
Hace muchos años, en una tienda de coleccionistas y rarezas de discos encontré una maravilla camuflada en una pila de LP´s a bajo precio. Era Below the Salt; un disco excepcional del que tenía noticias pero que no lo había encontrado pues se editó aquí mucho más tarde que en otros sitios.
Steeleye Span, en su primera etapa con la inigualable voz de Maddy Prior, fue una banda que se especializó en rescatar temas medievales y actualizarlos. El LP Below the Salt es una estupenda muestra. Lleno de bellísimas canciones que te transmiten serenidad y una placentera sensación de volar a través del tiempo. Gaudete es un tema gregoriano del que se han realizado muchas versiones y que en la interpretación de Maddy Prior adquiere dimensiones extraordinarias por su maravillosa voz y por los acertadísimos arreglos. En algunas ciudades inglesas el tema se usa mucho como fondo musical en las visitas a las iglesias.

Casida del cazador perdido – Carlos Cano
Estos días está expuesta en Barcelona una exposición fotográfica sobre las luchas vecinales en las últimas décadas. Los logros y fracasos de aquellas reivindicaciones vistos a través de estupendas fotos me han hecho recordar desaparecido y admirado Carlos Cano.
Tengo un recuerdo imborrable de la primera vez que le vi. Después de una reunión en la asociación de vecinos, uno de los componentes de la junta nos dijo que tenía una sorpresa preparada. En la biblioteca de un colegio del barrio se iba a celebrar un concierto de presentación de un nuevo cantautor andaluz. Era clandestino pues no había obtenido autorización gubernamental. Era un colegio de monjas comprometidas con las luchas vecinales; debía de ser a principios de los setenta. Fue presentado como un emigrante retornado y con ganas de abrirse camino con sus canciones. Ninguno de los allí reunidos habíamos oído hablar nunca de él.
El impacto que me produjo aquel joven Carlos Cano fue grande. Desde aquella actuación siempre le seguí la pista y compre todos sus discos. De su discografía hay un LP que hoy día sigo escuchando por su extraordinaria calidad, es Crónicas Granadinas. Es un disco de música arábigo-andaluz. Con canciones propias y adaptaciones de Federico García Lorca es para mí uno de los mejores trabajos en la historia de la música popular de este país. El tema Casida del cazador perdido es una canción de una tremenda delicadeza que Carlos Cano cantó con gran sensibilidad. Su temprana muerte nos privó de magníficos momentos musicales.

El pueblo unido jamás será vencido - Quilapayún
Hubo una época en la que muchos jóvenes, ansiosos por encontrar espacios para poder expresar sus inquietudes, encontraron esos espacios en parroquias. Allí, con el beneplácito del cura, formaron grupos para ayudar, hablar, discutir y cantar canciones comprometidas con la búsqueda de la libertad. Otros jóvenes no vimos estos lugares como espacios de libertad y seguimos nuestros caminos por otros derroteros. Lo de “curas comprometidos” nos parecía muy bien pero engañoso al estar bajo la dirección de la iglesia y eso invalidaba su buena voluntad; hoy día sigo pensando lo mismo. Por mucho que los llamados “curas obreros” lo intentarán y ayudaran a mucha gente, la iglesia se los acabó tragando.
Se pusieron de moda las misas cantadas. La mayoría de las veces con temas de autores latinoamericanos. Los movimientos de liberación de aquellos años estaban muy ligados a los llamados teólogos de la liberación muy de moda en la época. Como consecuencia de nuestras tristes experiencias con la religión en la etapa de estudiantes, muchos le dimos la espalda a esta salida. Buscamos la otra cara de la misma moneda pero apartados de cualquier connotación religiosa. Era la época de Víctor Jara, Inti-Illimani, Quilapayún y otros músicos comprometidos con la conquista de las libertades.
En aquella búsqueda encontramos músicos comprometidos con ambas posturas. Quilapayún era uno de ellos. La producción discográfica de Quilapayún es muy extensa pero su El pueblo

unido jamás será vencido es un tema que ha quedado grabado con letras de oro en la historia de la música popular. En la actualidad me pregunto: ¿qué reivindicación logra aglutinar hoy día a la gente?

Between Nothingness and Eternity – Mahavishnu Orchestra
En agosto de 1975 se celebró en la plaza de toros Nueva Andalucía de Marbella el “btm star brucking festival 1975”. La participación y duración fue extensa con artistas nacionales e internacionales. Wishbone Ash, Lou Reed, Soft Machine, Carretera y Manta Caravan, Climax Blues Band y Mahavishnu Orchestra de Jhon McLaughlin. Todo un acontecimiento musical que uno no podía perderse.
En pleno agosto, entrada la noche y con los asistentes animados por las anteriores actuaciones, apareció Jhon McLaughlin con su guitarra de doble cuello y su banda. Su música quizá no era la más apropiada para este tipo de eventos pero, su magia sonora te atrapa fácilmente e hizo que la mayoría del público vibrara con sus temas. Su fusión de jazz, rock y la utilización de instrumentos acústicos y eléctricos convirtió a Mahavishnu Orchestra en pionera en la fusión de géneros y nos hizo pasar una noche inolvidable.
Between Nothingness and Eternity es un álbum grabado en el Central Park de Nueva York. Es un disco con participación de músicos procedentes de estilos muy diferentes y que da una idea muy cercana del tipo de música que interpretaban en aquellos años.
Años después volví a verle en un concierto en Barcelona junto con Paco de Lucia. A pesar de la calidad de ambos, no era lo mismo, faltaba el aire y espontaneidad que caracteriza a un buen concierto y sobraba seriedad y perfeccionismo.

Qualsevol nit pot sortir el sol- Jaume Sisa
Es una pena que la trayectoria artística de un personaje como Sisa sea a penas conocida lejos de Cataluña. El autodefinido cantante galáctico formó parte del histórico Grupo de Folk de la Nova Cançó catalana. Su visión y forma de ver la vida le llevó a alejarse de este movimiento y a situarse dentro del denominado rock Laitano.
Qualsevol nit pot sortir el sol es un tema del LP del mismo nombre de 1975. Después de serias dificultades al iniciar su carrera en solitario, esta galáctica canción le dio el empujón definitivo para poder dedicarse exclusivamente a la música. Los críticos nacionales consideran a este tema como uno de los mejores de la música popular española en los últimos cincuenta años.
Qualsevol nit pot sortir el sol es una canción que unida a la particular interpretación de Sisa la hace inclasificable. Es un tema para todos los públicos, niños y adultos.
Fui un asiduo de la histórica sala Zeleste de Barcelona; un lugar copiado del Club Marquee de Londres donde lo mismo podías ver a Camarón, rock, que ver exposiciones. Allí vi varias veces a este singular personaje que años más tarde se cambio el nombre artístico y se marchó a Madrid. En la capital, con el nombre de Ricardo Solfa se dedicó cantar boleros hasta su regreso a Barcelona donde de nuevo volvemos disfrutarlo. El desaparecido Carlos Cano le dedicó la canción “A Jaime Sisa” en su disco “Forma de ser”. Una forma de ser alejada de lo comercial y con un sello tremendamente personal y de gran calidad. Jaume Sisa y otro inclasificable: Pau Riba, son los supervivientes atípicos de la Nova Cançó.

Canciones de nuestras vidas (X)

With a Little Help from My Friends - The Beatles
“Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band” es mi disco de cabecera. Lo tengo en todos los formatos posibles para poder disfrutarlo en cada momento que me apetezca y en todos los sitios aunque prefiero el viejo plato de música por su sonido.
Compré el disco al poco tiempo de salir en 1967; desde entonces no he dejado de escucharlo nunca. Es mi terapia particular. Cuando me encuentro un algo decaído lo pongo y ¡milagro!, me recupero, es lo que tiene la música.
Descubrimos a unos Beatles juveniles y divertidos con canciones innovadoras que nos engancharon. “Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band” es otra cosa; Es el camino abierto a nuevas posibilidades sonoras en el mundo de la música. Es el disco más influyente en la historia del rock por muchas razones. Su estructura, las técnicas utilizadas en su grabación y especialmente por las canciones.
El histórico álbum está lleno de maravillosas composiciones. Es una de las joyas musicales de siglo XX. Su portada ya nos indica algo de lo que encontraremos en él. El disco te engancha desde el inicio y te lleva, canción tras canción, por unos caminos sonoros difícilmente superables.
De “Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band” he elegido una canción dedicada a la amistad. With a Little Help from My Friends, cantada por Ringo Starr, algo infrecuente en el grupo. Es un canto a la amistad de verdad; a los que no preguntan cuando ni para qué los necesitas. A la amistad con mayúsculas.

The End – The Doors
En el desaparecido Terramar Cinema del barrio de Hadú vi la película de Francis Coppola
“Apocalypse Now”. En el cine estábamos: un amigo, yo y el portero acomodador – creo recordar que se llamaba Gabriel-, nadie más había en la sala.
Casi al principio de la película los helicópteros americanos bombardean la selva con napalm mientras suena la canción The End. El significado terrible de aquellas escenas y la música sonando en aquel cine vacío, son recuerdos que vienen a mi memoria siempre que escucho a The Doors.
El grupo californiano ha sido siempre uno de mis favoritos. Muchos críticos consideran a The Doors una banda psicodélica pero no es cierto. Es uno de aquellos grupos inclasificables con un estilo propio y una manera de interpretar única. La fuerte personalidad del cantante Jim Morrison y el peculiar órgano de Ray Manzarek hicieron que el grupo fuera fácilmente reconocible desde las primeras notas.
La discografía de Doors es bastante amplia con canciones que han quedado en la historia del rock. Muchas composiciones del grupo son versionadas en la actualidad y la tumba de Jim Morrison en Paris se ha convertido en visita obligada para los amantes de su música. El paso del tiempo ha convertido al grupo en banda de culto.
El sonido de una de sus canciones, quizá la más trágica, The End, es el recuerdo de una gran película en un cine vacío, sin pipas, palomitas, bebidas ni comentarios.

A galopar – Paco Ibáñez
El pasado año tuve la oportunidad de volver a ver a Paco Ibáñez en directo después de muchos años. En una sala del barrio barcelonés de Sant Andreu volví a sentir sensaciones que me estremecieron por su sinceridad, algo difícil hoy día con otros autores. Paco Ibáñez es un compositor cantante politizado, eso lo sabemos todos pero, conserva la capacidad de trasmitirte las mismas sensaciones a pesar del paso del tiempo. Mientras la democracia ha devorado y domesticado a otros, él, por su honradez y compromiso con los más desfavorecidos merece el reconocimiento público a su trabajo. Sus interpretaciones están cargadas de sinceridad y te transmiten ganas de seguir luchando por aquello que crees que merece la pena.
Descubrí a Paco Ibáñez en la década de los sesenta por un amigo amante de la canción francesa. Aprendiz de la música de Georges Brassens y del genial Léo Ferré, ha sido y aún lo es, un difusor de los clásicos españoles. Su trabajo para dar a conocer los poemas de Luis de Góngora o Lorca es utilizado como material pedagógico por muchos profesores de literatura. Su A galopar representa el compromiso y fidelidad de un trabajador con sus ideales. Es difícil hoy día hablar de compromisos e ideales pero Paco Ibáñez nos sigue demostrando que es posible y necesario.

Hijos del agobio – Triana
Escuchar a Triana es evocar momentos duros de un compañero: Rafael Peaguda. Una noche, después de un concierto del trío sevillano, fue detenido por la policía en el portal de su casa. Dos días más tarde nos comunicaron los cargos: colaboración con banda armada. Rafael era un fanático de Triana y sólo militaba en la CNT. No entendíamos nada y nos parecía increíble aquella acusación de colaboración.
Después de una semana de duros interrogatorios en Madrid, fue trasladado de nuevo a Barcelona al comprobarse su inocencia. En los días que permaneció detenido intervino el director de la empresa donde ambos trabajamos; su implicación y amistad con ciertas personas facilitó las cosas. Fue puesto en libertad sin cargos con unas simples disculpas. Nunca supimos de donde salió la acusación.
Aquel verano para celebrar su libertad y olvidar lo ocurrido nos fuimos con otros compañeros de vacaciones a su tierra: el valle del Jerte en Extremadura. Un lugar encantador que te atrapa fácilmente. Fueron las vacaciones con Triana. Durante los ocho días que permanecimos allí, Rafael Peaguda nos deleitó con sus magnificas interpretaciones del disco Hijos del agobio. Gran admirador del grupo, se pasó todos los días cantando sus canciones.
Fueron tardes y noches de cerveza, vino y Triana, en un magnifico entorno acompañados por personas de una extraordinaria calidad humana.

Ojos verdes. Miguel de Molina
El gran desconocido de la copla. Si les gusta la copla y tienen la oportunidad de poder ver la obra teatral Ojos verdes, háganlo, no se arrepentirán. La pieza es un maravilloso y duro recorrido de la vida de Miguel de Molina y un viaje musical por la España republicana.
Muchos han calificado al cantante como extravagante y otras cosas olvidando su calidad como artista. Fue un avanzado a su tiempo y eso le costó caro al acabar la guerra; como otros tantos, el exilio fue su escapatoria. Nunca escondió su condición sexual y la vivió abiertamente
En nuestra infancia y adolescencia, en aquella España de discos dedicados, la copla era mayormente de cantantes femeninas y en las radios sonaban Concha Piquer e Imperio Argentina entre otras. Vázquez Montalbán me abrió las puertas de Miguel de Molina. Sus escritos sobre la copla son estupendos retratos de aquella España y ahí encontré la otra cara de Ojos verdes. Escuchar la canción en una voz masculina le dio otra dimensión y descubrí a un personaje con una fuerte personalidad.
Miguel de Molina tuvo que marcharse de España e iniciar desde cero su carrera en tierras argentinas y mejicanas. La España de Franco no podía perdonarle su pasado ni su condición sexual sin tapujos. El director de la obra lo describe así: pertenecía y creía en la misma España
que Lorca. A uno lo mataron y a otro le hicieron la vida imposible.
La pieza es un homenaje a la figura del desaparecido cantante y como él mismo dice al final de la función: a mi me echaron y me borraron de la historia para que la Doña (Concha Piquer) se quedará con todas las canciones, entre ellas, Ojos verdes.

Canciones de nuestras vidas (IX)

Merry Christmas (the War Is Over) - John Lennon
En estas fechas navideñas los recuerdos te colapsan la mente. Mis navidades en Ceuta -17 años- son inolvidables por muchas razones: familia, amigos y villancicos que nunca he olvidado. Aquellos días son una parte muy importante de nuestras vidas; el entrañable ambiente familiar es quizá una de las cosas que más ha extrañado uno en su vida pero compensado en parte por las experiencias vividas en otros lugares.
Una de las cosas que más me impactó al venir a Catalunya fue la navidad. La celebración es completamente distinta a la que estaba acostumbrado -con el tiempo he aprendido que no es mejor ni peor, sólo distinta-, y con ritmos diferentes. De mis navidades en Ceuta guardo en mi la mayoría de los villancicos pero de mi primera navidad en Barcelona tengo un recuerdo imborrable: Merry Christmas (the War Is Over) de John Lennon ¡Un villancico beatlemaniano!
A todos aquellos que quieran huir un poco de las típicas canciones de estas fechas les recomiendo este maravilloso tema en su versión orquestada y con coro ¡es una maravilla! Te transmite paz, tranquilidad y como dice un estribillo de su letra, algo que todos necesitamos: Comprensión.

Y YA ES NAVIDAD,
PARA LOS DÉBILES Y LOS FUERTES,
PARA LOS RICOS Y LOS POBRES,
ES MUNDO ESTÁ TAN MAL REPARTIDO

Y UNAS FELICES NAVIDADES,
AL NEGRO Y AL BLANCO,
AL AMARILLO Y A LOS ROJOS,
QUE SE PAREN TODAS LAS LUCHAS

Storia di un minuto - Premiata Forneria Marconi
Recién instaurada la democracia en España, Barcelona se convirtió en una explosión cultural y política. La ciudad era una fuente constante de acontecimientos que ya existían (ocultos) y que al salir a la luz pública convirtieron a la ciudad condal en uno de los focos culturales más importantes del mundo.
En aquella época era raro el día que no se producía algún acontecimiento de importancia. Durante los últimos años de de los setenta y en la década siguiente (80), los actos culturales celebrados en Barcelona tuvieron resonancia internacional. Un ejemplo fue la celebración en 1977 de las históricas “Jornadas Libertarias” con la asistencia de anarquistas de todo el mundo. Jornadas que significaron y marcaron el posterior rumbo de las ideas libertarias.
La explosión musical en la ciudad condal fue tremenda; música con características propias, sonidos autóctonos y conciertos de los mejores artistas internacionales y nacionales. De uno de aquellos inolvidables conciertos guardo un gran recuerdo. En 1983, en las fuentes de Montjuic actuaron Miguel Ríos y Luz Casal como telonera (era su época rockera). Con ellos actuó un desconocido grupo italiano llamado: Premiata Forneria Marconi. La PFM era una banda de rock progresivo en la onda de King Crimson con mezcla de música italiana. El descubrimiento de su música fue un soplo de aires nuevos.
Su Storia di un minuto es una buena muestra de lo que el grupo hacia. Una demostración de calidad sonora y una demostración de que en otros países distintos a Inglaterra y Estados Unidos había músicos capacitados para realizar experimentos musicales de mucha calidad.

My Generation – The Who
En los últimos años de los sesenta, un grupo de amigos solíamos reunirnos para escuchar música. El ritual era muy sencillo: cada uno aportaba sus discos y después de escucharlos, opinábamos de ellos. Las discusiones eran tremendas y cargadas de energía. De aquellas reuniones musicales guardo gratos recuerdos y magníficos amigos. Al margen de los gustos de cada uno, hubo una canción que se convirtió en una especie de himno de las sesiones musicales; su nombre y el significado de la canción nos retraba, o eso creíamos. Era: My Generation.
La impresionante oleada de grupos ingleses de aquellos años tenía un sello propio. La música de cada banda era fácilmente reconocible. Todos los grupos tenían su particular estilo que hacía que los aficionados identificaran sin grandes dificultades a cada uno de ellos. Una de aquellas bandas fue The Who.
El grupo, uno de los más importantes e influyentes en la historia del rock, fue innovador y abrió nuevos caminos al rock. Autores de obras como “Quadrophenia” y “Tommy” fueron pioneros de las operas rock y padres de lo que años después se llamó punk. Sus tremendas actuaciones en directo, rompiendo instrumentos e insultando al público fueron copiadas años más tarde por los punkies.
Su repertorio esta lleno de grandes temas; pero sin duda alguna su carta de presentación siempre fue y es: My Generation. Una canción editada en 1965 y que grabada en directo en 1970 en Leeds es todo un símbolo generacional.

Kind of Blue- Miles Davis
Una vez estabilizado y con trabajo fijo, un compañero de faena me abrió un nuevo mundo musical: el jazz. Como otros tantos rockeros no había salido de mis discos poniendo barreras a otras músicas.
Ángel Vinadé me ayudó a descubrir el fascinante mundo del jazz y logró que me adentrara en sus entrañas. Ángel es un personaje único; ácrata practicante, cosa muy difícil, es una persona de gran humanidad con dos “vicios” incorregibles: el tabaco y el jazz. Es una enciclopedia viviente de este género y un virtuoso del saxo. Con sus sabios consejos me adentré en este estilo y empecé a escuchar a los grandes jazzman. Como es natural en la vida, una vez iniciado, uno tiene sus preferencias y empiezan las discusiones. Mi amigo, como buen saxofonista es un fanático de John Coltrane y yo sucumbí a la improvisación y al frenesí sonoro del gran Miles Davis.
Cualquier aficionado al jazz sabe que es muy difícil elegir un tema pues una de las características del género son las enormes posibilidades que se pueden desarrollar a partir de algunas notas. El disco Kind of Blue es un álbum grabado en 1959 que revolucionó el estancado mundo del jazz. Un LP que me abrió nuevos horizontes sonoros y al que todavía estoy enganchado.



Bolero – Maurice Ravel
Debe de ser con la “Quinta Sinfonía” de Beethoven y “Las cuatro estaciones “de Vivaldi lo más conocido de la música clásica. Un tema que se ha usado para todo tipo de eventos: cine, teatro, ballet, etc. Diversos grupos de rock la han adaptado ayudando a su popularización entre un publico alejado de lo clásico.
Hubo una etapa de mi vida el la que tuve que hacer de “canguro” todos los días de la semana. Mi mujer preparaba las oposiciones y yo me ocupaba todo el tiempo libre de los niños. En estas circunstancias uno agudiza el ingenio para pasar el tiempo. Una de las distracciones favoritas era la música. Influenciado por el conocido dicho: la música amansa a las fieras, yo elegí esta opción y el Bolero de Ravel se convirtió en tema diario. Su duración, su in crescendo, sus metales y mi imaginación – yo convertía al Bolero en un autentico rock and roll- hicieron que esta obra haya dejado secuelas muy buenas en mi familia. La audición de esta bella y extraordinaria obra me recuerdan momentos inolvidables vividos junto a mis hijos y la satisfacción de saber que mereció la pena.

Canciones de nuestras vidas (VIII)

La tierra de las mil danzas- Wilson Pickett
La irrupción con fuerza del Soul se produjo en la segunda mitad de los años sesenta. Con una extensa lista de estupendos interpretes y magnificas grabaciones editadas desde la década anterior, la explosión mundial de este género acaparó durante años el interés de los aficionados.
Hay una larga lista de cantantes que han dejado maravillosas canciones para la historia. He elegido una de las más representativas por varios motivos: es muy conocida y creo que la mayoría de aficionados la habrán tatareado alguna vez. La interpretación de Wilson Pickett es única y otra poderosa razón es un gran recuerdo de un magnifico festival celebrado en el Cinema Terramar de Ceuta.
En 1967 se celebró en este cine de la barriada de Hadú un mano a mano musical entre los dos grupos más representativos de la ciudad: The Brisks y Los Dingos. En mi memoria quedó grabada la interpretación realizada por Susi, el batería de Los Dingos. Con un magnifico acompañamiento y dotado de una buena voz para el Soul, Susi cantó una versión de La tierra de las mil danzas que ha quedado en los recuerdos musicales de muchos aficionados.
Esta canción, obra del recordado compositor e interprete Fats Domino, es una canción que ha sido y es versionada por muchos artistas; es un clásico del Soul y una de aquellas canciones que nunca olvidas por su fuerza, calidad, ritmo y por que es parte de uno.




Last train to Clarkville – The Monkees
Grupo artificial y comercial pero que a muchos adolescentes de aquellos años dejó una huella por muchas razones. The Monkees fue creado mediante un concurso televisivo de la cadena NBC entre más de 500 aspirantes al estrellato. Con el paso del tiempo el grupo se profesionalizó y grabó buenos discos. De aquellas grabaciones han quedado canciones que forman parte de la historia: “I´m a Believer, “A Little Bit Me Bit You” o Last train to Clarkville.
La fama del grupo se disparó como consecuencia de la serie de dibujos animados que The Archies. Las canciones de Monkees alcanzaron fama mundial mientras las canciones del grupo eran compuestas y grabadas por los mejores músicos de Estados Unidos: Neil Sedaka, Neil Diamond, Carole King, Tommy Boice y otros.
Subidos al pedestal de la fama artificial, The Monkees se negaron a grabar la canción “Sugar Sugar” que fue un éxito mundial. A pesar de todo el circo montado a su alrededor y la utilización mediática para intentar contrarrestar la fama y el éxito de The Beatles, Monkees dejaron algunas joyas grabadas como este Last train to Clarkville. Un tema pleno de ritmo, buenas voces y el recuerdo de unos adorables dibujos que se emitían los sábados por la tarde.





Dance to the Music - Sly & The Family Stone
¡Un gran descubrimiento! Cuando el Soul empezaba a declinar surgió esta banda que revolucionó el género al darle aires innovadores. Su novedosa mezcla de rock, jazz, psicodélia, soul, y rhythm & blues, dio paso al funk y su posterior desarrollo.
Junto con el gran James Brown, Sly & The Family Stone es un grupo fundamental para entender la música funk. Liderada por el extraordinario músico Sylvester Stewart, el hecho de que la banda estuviese compuesta por músicos blancos y negros supuso un gran avance por la aportación y conocimientos de géneros distintos.
La tremenda energía de la música del grupo lo convirtió en uno de los más solicitados en las discotecas de la época. Su extraordinaria Dance to the Music de 1968 te cautiva y te hace mover sin freno. Es un tema que causó sensación por su sorprendente frescura y que rompió muchas barreras. Su introducción es magnifica; es un tema que demuestra la mezcla de varios estilos y está muy conseguido.
En estas fechas muchos articulistas y programas han recordado al famoso festival de Woodstock. Para aquellos que aún no han visto ningún documental sobre el histórico festival les recomiendo la actuación realizada por Sly & The Family Stone. Una actuación plena de ritmo y fuerza que cautivó a la mayoría de los asistentes.



Fiesta- Joan Manuel Serrat
Escribir algo de Serrat es muy difícil. De este poeta, compositor, cantante y excelente persona, se ha escrito todo. Te puede gustar o no pero, es indudable que es una parte importantísima de la historia de la música de este país. Un espejo en el que muchos se han mirado y un maravilloso retratista de la vida cotidiana.
De Serrat puedo recordar discos enteros por la calidad de sus canciones. Temas convertidos en himnos cantados por varias generaciones. Sus discos dedicados a Machado y M. Hernández o sus versiones de canciones populares de Latinoamérica y su extensa lista de composiciones propias están en la mente de todos.
Muchos temas de Serrat evocan agradables recuerdos. Personas, momentos especiales, vacaciones, conciertos, etc. De todas sus canciones hay una un poco especial para mí: Fiesta. Es un tema dedicado a la fiesta de San Juan de gran tradición en Cataluña. Mi primera verbena en Barcelona coincidió con la edición de esta estupenda canción. La descripción que hace Serrat de la noche de San Juan fue tan real que aún hoy cuando la escucho todavía me veo metido en aquellos saraos.
Para los amantes de este catalán universal quizá su “Mediterráneo” sea su mejor canción, la más conocida y la más universal pero yo, me quedo con: Fiesta.




Metal Guru- T. Rex
Uno de los grandes del glam rock. Rechazados por unos y aclamados por otros, fueron pioneros de este estilo. Cuando se habla de este dúo uno recuerda inmediatamente a un genio poco conocido: Marc Bolan.
El glam rock es un género musical surgido en Gran Bretaña en los inicios de la década de los setenta que escandalizó a los más puristas. Según sus protagonistas, fue una respuesta al rock psicodélico y a la falta de frescura de la música de aquellos años. Las claves del éxito del glam rock hay que buscarlas en sus letras sexuales, en la mezcla de sonidos y en la vestimenta de los protagonistas. La imagen era tan importante como la música; toda explosión visual en unos años dominados por las melenas y los atuendos con reminiscencias hippies.
Artistas como David Bowie, Loud Reed, Roxi Music, Slade, Gary Glitter, se apuntaron a la moda y grabaron excelentes discos atraídos por la estética y las exigencias del mercado. De aquella época, sus canciones e intérpretes, hubo un dúo de extravagante vestimenta que grabó estupendos temas: T. Rex.
Con una larga experiencia desde principios de los sesenta, Marc Bolan fundó T.Rex y se convirtió en lo que siempre había soñado: una estrella del rock. Los álbumes del dúo son lo mejor del glam rock. Canciones llenas de sonidos exóticos y con mucha fuerza. Muchas de sus canciones se han versionado en la actualidad con nuevos arreglos que les hacen perder el glamour y parte de la idea original. En España el legado del glam rock está muy presente en la movida. La estética de Alaska, Radio Futura, el inolvidable Tino Casal y otros, estuvo basada en aquellos pioneros que escandalizaron a los más inmovilistas.
Metal Guru es una de las canciones más conocidas de T. Rex y la más versionada de su repertorio. Es un himno del glam rock que ha sido banda sonora en varias películas y que un maravilloso cineasta como Ken Loach casi siempre lo tiene presente en sus maravillosos retratos de la vida cotidiana en Gran Bretaña.

Canciones de nuestras vidas (VII)

Stone Free - Jimi Hendrix
Una de las grandes frustraciones musicales de mi vida es el “Festival de la Isla de Wight”. En agosto de 1970 se celebró en esta isla del sur del Reino Unido, el tercer festival. Desde la ciudad condal, un mes antes, se organizó una expedición de aficionados para asistir al evento musical y poder participar activamente del acontecimiento. La ilusión era tremenda; tener la oportunidad de poder ver en directo a los más grandes artistas del rock de la época nos llenaba de emoción. Seriamos participantes de un hecho histórico musical. Para nosotros era algo único.
La expedición era en barco. Una travesía difícil pero que merecía la pena por la importancia. A los expedicionarios lo único que nos importaba era llegar y sentirnos libres. No nos importaba nada más que estar presentes en el acontecimiento y ver en directo a nuestros referentes musicales: Ten Years Alter, Joni Mitchel, Leonard Cohen, Doors, Donovan… y al gran Jimi Hendrix.
¡La expedición no salió! Todas nuestras ilusiones se fueron al traste por la burocracia. Las autoridades portuarias alegaron problemas con el papeleo necesario y obligatorio y no dieron permiso a la salida del barco. Hoy día aún pienso que fue deliberado pero ¡frustraron nuestras ilusiones! La realidad fue que tuvimos que seguir conformándonos con escuchar los discos de aquellos rockeros y esperar otra oportunidad.
De aquel amargo recuerdo me quedó la canción Stone Free. Este tema salió como cara B del archiconocido Hey Joe. Es una de las canciones menos conocidas de Hendrix pero que a mí me gusta muchísimo por su tremenda fuerza e indudablemente por la extraordinaria capacidad del guitarrista. El mejor de la historia del rock junto con mano lenta, Eric Clapton.
El grupo ceutí Brisks grabó una estupenda versión de este tema de Hendrix. Su cantante Teddy Ruster demostró en esta canción sus magnificas cualidades para la música soul.

Gloria – The Them (Van Morrison)
Van Morrison es desde hace más de cuarenta años una de mis debilidades. Desde la década de los sesenta no he parado de escuchar al “león de Belfast” y hoy día sigue siendo uno de mis preferidos. Pocos intérpretes logran trasmitirme los sentimientos de este cantante.
Su extensa carrera está llena de bellas y emocionantes canciones. Son muchos los temas de Morrison que emocionan y logran hacerme olvidar todo. La lista de temas maravillosos es muy larga pero su histórica Gloria es única para mí por ser el éxito con que lo descubrí.
Gloria es una canción de su etapa como integrante del grupo The Them. Un grupo irlandés de R&B que tuvo poca vida pero con magnificas canciones. Es un tema pegadizo de gran atractivo. Es un clásico de su repertorio que le dio fama y que posteriormente fue versionado por otros grandes del rock. The Doors y Patti Smisth grabaron el tema imprimiéndole al mismo sus sellos particulares. Son dos versiones distintas a la original que consiguen darle a la canción mucha fuerza. Los dos Morrison, Van y el cantante de Doors, Jim, realizaron una jam sesión del tema durante una actuación conjunta en los Ángeles que es muy apreciada por coleccionistas. ¡Toda una joya!
Gloria tiene un significado especial para mí como padre. Era uno de los temas con que solía “adoctrinar” musicalmente a mis hijos. Vistos los resultados ¡creo que mereció la pena!




Marrakesh Express - Crosby, Stills, Nash & Young
A finales de los sesenta había una discoteca en los bajos del hotel Ulises. Después de contrastar varias informaciones he llegado a la conclusión (segura) de su nombre; era “Le Disque”. Allí pasaba las tardes de los domingos escuchando la mejor música y bailando.
En aquella época no existía el disc jockey tal como lo conocemos hoy día. La persona que ponía la música en aquella sala debía de tener gustos parecidos a los míos pues la mayoría de los temas que sonaban era de mi agrado. De aquellas canciones, una quedó grabada en mi memoria por su calidad. Era Marrakesh Express de Crosby, Stills, Nash & Young. Un tema que sonaba en todas las sesiones y que por su belleza siempre he recordado.
Graham Nash de The Hollies, David Crosby de The Byrds y Stepfhen Stills y Neil Young de Buffalo Springfield formaron este supergupo en 1968. Cuatro talentos musicales que crearon grandes canciones. Sin llegar a la perfección vocal de Beach Boys o de Hollies, CSNY fue un grupo que dejó estupendos temas. Marrakesh Express es un buen ejemplo. Hace pocos meses tuve la fortuna de asistir a un concierto de Neil Young y ¡sigue siendo uno de los grandes!




La Vie en rose– Édith Piaf
Muchos rockeros hemos estado llenos de entupidos perjuicios con respecto a otros géneros. Nos hemos considerados en posesión de la verdad. Por suerte para mí, siempre me he dejado aconsejar y he abierto mi puerta a toda clase de música. Mi descubrimiento de la chanson francesa vino a través de un gran amigo: Eloy. Él me introdujo en el mundo de: Georges Brassens, Jacques Brel, Aristide Bruant, Léo Ferré, Serge Gainsbourg, George Moustaki, Alain Souchon, Yves Montand y Edith Piaf.
Como otros muchos españoles pasaba la frontera hispano-gala cuando tenía la oportunidad para ver cine y efectuar compras de ciertos productos. El hecho de vivir en Barcelona facilitaba mucho estos viajes. Casi siempre compraba lo mismo: discos. Así pude hacerme de una estupenda colección de LP´s que tardaban mucho en llegar a España, si llegaban.
Uno de aquellos discos fue un recopilatorio de Édith Piaf. Escucharla es situarte en Paris, concretamente en el parisino barrio de Montmartre. Su La vie en rose, la más conocida de sus canciones me sitúa en un atardecer de este emblemático barrio tomando café y viendo la vida pasar lentamente. El que fue lugar de encuentro de artistas de distintas disciplinas, todavía conserva su encanto y este maravilloso tema de Editf Piaf me recuerda mi visita.



Volando voy- Kiko Veneno
Junto con Serrat y Joaquín Sabina, Kiko forma el trío de letristas más importante de las ultimas décadas en España (es mi opinión). Es muy fácil identificarse con cualquier situación y personajes de los descritos por Kiko en sus canciones. La capacidad que tiene para trasmitirte y hacerte participe de hechos cotidianos con sus composiciones, es una de sus cualidades.
Kiko Veneno es un gran desconocido. A pesar de que su nombre ha sonado y suena mucho, su extensa carrera artística es sólo valorada por los más entusiastas. Kiko ha trabajado mucho compatibilizando su devoción con la necesidad de trabajar para poder vivir; eso le ha dado una visión muy realista y cercana a las situaciones descritas en sus canciones.
Colaborador con múltiples compañeros de profesión, Kiko ha formado parte de varias formaciones históricas y pioneras. El grupo Veneno, formado con los hermanos Raimundo y Rafael Amador fue toda una innovación musical para su época. Quedó un disco del mismo nombre que es una pieza fundamental en la historia del rock en España. Otros lo recordarán como uno de los colaboradores del programa “La bola de cristal”.
Quizá el mejor ejemplo de este desconocimiento es que pocos saben que el famoso tema Volando voy es suyo. Esta canción que apareció en un LP que revolucionó el flamenco “La leyenda del tiempo” de Camarón en 1979 se ha convertido en un clásico atribuible al de la Isla pero tiene el sello de KIKO VENENO.

Canciones de nuestras vidas (VI)

Keep on Chooglin – Creedence Clearwater Revival
La música de la Creedence, como la conocemos los aficionados es ¡rock directo sin aditivos! Música directa, sin ningún complemento de estudio; tres guitarras: solista, rítmica, bajo y batería y la contundente voz de John Fogerty.
La Creedence viene asociada en mi memoria con los recuerdos de un mítico bar situado en el cruce del Morro. A un lado, la parada del autobús, en el otro, el bar Avenida., justo antes de llegar al cine del mismo nombre. Este local se convirtió en un centro de reunión de muchos aficionados a la música por la extraordinaria colección musical de su máquina de discos. Aquella espléndida Jukebox satisfacía la demanda musical de los jóvenes que allí acudían y pasaban largar horas poniendo una y otra vez sus discos preferidos.
Los dueños, hermanos Palma, conocedores de la gran atracción que la música ejercía sobre los jóvenes, tenían en su Jukebox lo último del mercado. De esta manera se aseguraban el lleno de su local. La fama del bar se extendió por toda Ceuta y acudían de todos los barrios; había días de fiesta que era imposible poder entrar y la acera se llenaba de gente para escuchar la música procedente de la máquina.
Creedence tiene un tremendo repertorio lleno de grandes canciones. He elegido una de la más representativa: Keep on Chooglin es un magnifico exponente de la mezcla del rock y el country. La versión de este tema que apareció en el LP “Live in Europe”, dura 13minutos y es lo que los aficionados consideramos: UN TEMAZO.

Oda a John Lee Hooker – Johnny Rivers
La primera vez que entré en el histórico local ceutí Whisky a Go-Go, sonaba la versión más larga de "In-A-Gada-Da-Vida", el conocido tema de Iron Butterfly. Una canción que ponían en todas las salas por su enorme capacidad para lanzar gente a la pista de baile. Hoy día todavía se utiliza en muchos locales para ambientar y caldear el ambiente.
Días antes me habían traído de la península un disco que no paraba de escuchar y pedí a mi amigo que conocía a los empleados del local, que solicitase pusiesen aquella canción que tanto me atraía. Era Oda a John Lee Hooker de Johnny Rivers. La suerte quiso que tuviesen la versión en directo de 15 minutos grabada en un club llamado también Whisky a Go-Go.
Lo que me atraía y me sigue atrayendo de este estupendo tema es su ritmo machacón que hace que no puedas estarte quieto; tienes que seguir su atrayente y consistente cadencia. Para los aficionados de aquellos años, la canción se convirtió en una especie de salvoconducto de calidad. La música de Johnny Rivers era sinónimo de vanguardismo ¡cosas de juventud! El tiempo ha puesto las cosas en su sitio y ahora valoramos la música al margen de modas y alejados de entupidos perjuicios.
Oda a John Lee Hooker se ha convertido en un clásico de club. A uno de los más míticos de nuestra ciudad, el Whisky a Go-Go, va dedicado este maravilloso tema.

Sweet Jane - The Velvet Underground
Como otros muchos jóvenes aficionados al rock, hubo una etapa en mi vida en que creí aquello de ¡sexo, droga y rock and roll!
Muchos caminamos por la débil frontera que divide la realidad de la ficción y algunos amigos y muchos conocidos llevaron este lema hasta las últimas consecuencias; lamentablemente lo pagaron caro. Por suerte para mí, todo quedó en: sexo, el que he podido; la droga quedó reducida a una buena botella de vino compartida y el rock a una dosis diaria.
La música de Velvet Underground y después de Lou Reed me traslada a aquella época desmadrada. El grupo representaba el descontrol, desenfreno y aventuras sin límites. La colaboración con el excéntrico Andy Warhol daba al grupo una imagen vanguardista. Su diseño de la portada del disco “The Velvet Underground and Nico” está considerada como una de las mejores obras del movimiento pop art.
Son muchas las canciones míticas de Lou Reed, John Cale, Nico, Maureen Moe…talentos musicales que han pasado a la historia del rock. He elegido Sweet Jane, una de las más conocidas, por una razón sentimental. Era la canción preferida de uno de aquellos amigos que vivió el ¡sexo, droga y rock and roll! hasta el final: Eduardo Regué. Con él asistí a mi primer gran concierto de Lou Reed en su etapa de Glam rock.

Mi calle –Lone Star
La primera vez que fui a Barcelona era agosto. Los barrios de la ciudad condal celebraban sus fiestas y era la época de los entoldados. Cada barrio montaba su carpa para celebrar las verbenas. Allí actuaban los artistas y servía de pista de baile. El ambiente musical era tremendo.
En Ceuta había visto a varios grupos y solistas en las verbenas del Ceutí pero, al asistir por vez primera a una de aquellas fiestas de barrio en Barcelona y poder ver en directo a algunos de los mejores grupos de la época en la misma noche fue para un chico recién salido de su pequeña ciudad ¡el no va más!
Sirex, Salvajes, Gatos Negros, Cheyennes, Lone Star, etc. Todas las bandas catalanas solían actuar en aquellos entoldados convirtiendo las noches en maratones musicales. De todos aquellos grupos guardo algún momento especial; con algunos músicos compartí alguna velada y aún hoy día acudo a algunas de sus actuaciones.
De aquellos días tengo un recuerdo especial de Lone Star y su canción Mi calle. Un tema que describe perfectamente unos hechos reales que sucedían en el mismo barrio donde vivía. Una canción que marcó a toda una generación de barceloneses y se convirtió en un himno de barrio.

Mustafá- Bob Azzam
¡Aquellas tardes de fútbol en Alfonso Murube! Como otros muchos soy aficionado al fútbol y lo practiqué durante años ¡hasta los 40! En la década de los sesenta solía acudir al campo Alfonso Murube con mi padre, amigos y otras veces con Barrientos, mi entrenador en los infantiles del Imperio de Ceuta.
Chérie, te quiero,
Chérie, te adoro,
como la salsa de pomodoro…
Este conocido estribillo era un grito de guerra en el campo de fútbol. Antes de que la fiebre rockera entrara en mi vida y acaparara todo mi tiempo, los domingos, como otros chavales de mi generación, iba al estadio situado muy cerca de mi casa. Aquellos días eran de gran ebullición desde muy temprano. El ambiente futbolístico se vivía desde la mañana con las calles y bares del barrio llenas de aficionados que impacientemente esperaban la hora del encuentro.
Mi padre, gran aficionado al deporte rey, acostumbraba con otros compañeros suyos a contratar a una pequeña orquesta de músicos de origen marroquí para animar aquellos partidos de más trascendencia para el equipo de la ciudad. Mustafá de Bob Azzam es la canción del fútbol ceutí de aquellos años en segunda división. Una canción de agradables recuerdos y también de muchos enfados. En la península, cuando aficionados ceutíes la entonaban inmediatamente se oían gritos de: moros, moros…lo que provocaba el enfado de los caballas.

¡No ha cambiado mucho el asunto!

Canciones de nuestras vidas (V)

Sloop John B - The Beach Boys
Uno de los discos más importante de la música rock es el álbum "Pet Sounds" de los californianos Beach Boys. Está considerada como una obra de arte. La producción, idea y concepto del LP, la introducción de sonidos inéditos en aquella época, la belleza y armonía de las voces y coros; el uso de una orquesta y el talento de Brian Wilson, dieron como resultado el mejor disco de Beach Boys.
El grupo se inspiró en el LP "Rubber Soul" (Beatles) e intentó (lo logró) realizar una obra estimulante, llena de grandes canciones y que a su vez fue el disco en el que The Beatles se inspiraron para hacer su legendario "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" según declaró el mismo Paul McCarney.
Publicado en 1966, el LP fue uno de los tres álbumes de aquel año más aclamado por los críticos por su extraordinaria calidad. Cuando se habla de The Beach Boys casi todos los aficionados recuerdan su maravillosa “Good Vibrations". Para mí la canción del descubrimiento de éste grupo fue Sloop John B. Es un tema que tiene absolutamente todo. Un maravilloso juego de voces, una magnifica instrumentación y un recuerdo imborrable de veranos en la playa con los amigos.

Mis manos en tu cintura - Adamo
Innumerables los éxitos de este italo-belga. Desde 1960 cuando participó en un concurso hasta hoy día –recientemente ha actuado en el Palau de la Música de Barcelona con lleno absoluto- Salvatore Adamo ha enamorado a muchas personas con sus canciones.
Los temas de Adamo están cargados de poesía romántica inspirados en su amor por la literatura. Sus canciones han sido traducidas a los idiomas más importantes y versionados por afamados cantantes.
En el barrio de Hadú estaba el Terramar Cinema. Un cine que daba vida al barrio y que guarda entre sus paredes sus historias. Cada día, justo antes de empezar las distintas sesiones diarias, mientras los asistentes se acomodaban en sus butacas, sonaba esta maravillosa canción de Adamo. En las sesiones de los domingos cuando el público era mayoritariamente adolescente, Mis manos en tu cintura era la canción que iniciaba una frenética carrera en busca del asiento más próximo a tu posible amor.
Es una de aquellas canciones que trae a la memoria los primeros amores; los primeros besos y el recuerdo de parte de nuestra adolescencia.

Whole Lotta Love- Led Zeppelin
Cuatro amigos dan la vuelta a la ciudad de Ceuta en el recién estrenado coche de uno de ellos. Después de subir la cuesta del Recinto y efectuar una parada, ponen la radio y sintonizan Radio Gibraltar. En la emisora suena una canción desconocida para ellos. Cuando acaba y empieza a sonar otra ¡de repente!, primero el silencio e inmediatamente las miradas se cruzan entre los cuatro amigos que se preguntan ¿qué es esto? Aquello que escuchaban por primera vez era: Whole Lotta Love de Led Zeppelín.
Desde aquel momento se produjo una acaparadora carrera –todo el día pensando en lo mismo- para saber y conseguir todo lo relacionado con Led Zeppelín. Un grupo desconocido para nosotros pero que al escucharlo por primera vez supimos que era algo nuevo y diferente.
Whole Lotta Love venía en el segundo LP del grupo "Led Zeppelin II" editado en 1969. El primer LP de la banda había salido al mercado ese mismo año. Led Zeppelín fue un grupo que abrió nuevas posibilidades al desarrollo posterior del rock. Estandarte y abanderados del Hard Rock, su fuerza sonora cautivó a aficionados y a los críticos más exigentes.
En un momento de cierta desorientación, a finales de la década de los sesenta, cuando la música buscaba nuevos caminos y las experimentaciones sonoras eran muy habituales, Led Zeppelín revolucionó el panorama del rock. Su Whole Lotta Love es un tema con más de cuarenta años pero que, demuestra que es muy difícil superarlos.

Get on Your Knees – Canarios
A principios de los años setenta tuve la suerte de poder asistir a los conciertos que durante varios días se celebraron en Barcelona en el histórico Salón Iris bajo el pomposo titulo de “Primer Festival Permanente de la Música Progresiva”. Un titulo que intentaba reunir a lo más vanguardista de la música en España.
Todos los grupos españoles importantes de la época y algunos extranjeros actuaron en aquella sala ofreciendo lo mejor de su repertorio y las novedades musicales. En este festival muchas bandas iniciaron un nuevo camino sonoro que distaba mucho de lo realizado anteriormente; fue el caso de Canarios. De todos los participantes fue el grupo que más me impresionó. Allí empezaron a investigar otras posibilidades musicales e iniciaron lo que tiempo después sería su nuevo estilo inspirado en la música clásica.
Get on Your knees fue la canción que encumbró definitivamente al grupo. Anteriormente habían tenido otros éxitos pero este tema les hizo muy populares por Europa y tuvo una magnifica acogida en Estados Unidos. La fuerza de Teddy, la instrumentación, basada en el soul y los magníficos músicos, capaces de sonar igual en directo que en el estudio, hicieron de esta canción un clásico de la historia del rock español. Canarios demostraron que en España también era posible hacer buen soul. Get on Your knees es la mejor demostración.

El preso nº 9 – Los Paquiros
Para la mayoría de los que nacimos en el populoso barrio de Hadú en las décadas de los cincuenta y sesenta del siglo pasado, la existencia del llamado “barrio de las putas” era algo normal y cotidiano; una parte más del barrio. Nos acostumbramos a ver a toda clase de personajes y a jugar por aquellas calles llenas de pequeños antros y bares con muchas historias humanas.
De aquellos locales dedicados al oficio más viejo del mundo, había varios con mucho nombre. “El Buen Gusto”, el cabaret “Constantinopla”, el bar de “La Paquita” y algún otro que el tiempo ha borrado de mi memoria. Había uno situado justo en la pequeña cuesta que empezaba en Vilches, que nos llamaba la atención pues allí trabajaba un amigo mayor que nosotros –Chicha- y al que continuamente asaltábamos con todo tipo de preguntas. Era el bar “Navalón”. En el bar sonaba constantemente la música, casi siempre flamenco o ritmos aflamencados y una canción llamaba poderosamente nuestra atención hasta el punto de que, con mucho disimulo, pues éramos menores de edad, nos situábamos en la puerta de entrada para escuchar aquel tema. Era El preso nº 9 en la versión de Los Paquiros.
De origen mexicano, ésta canción que muchos creen de Joan Báez, quien la popularizó a nivel mundial, salió en el primer disco del dúo Los Paquiros. A la pareja la acompañaba el guitarrista Manuel Molina, padre de otro Manuel que se hizo famoso formando dúo con Lole.
El preso nº 9 representaba la canción idónea para aquel sórdido ambiente supuestamente prohibido que tanto atraía a los chavales del barrio.